Trente-quatre films qui célèbrent les films
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La fin de 2022 a offert un trio de films de réalisateurs de marque qui traitent du monde du cinéma : le bricolage précoce dans « Les Fabelmans » de Steven Spielberg, le classique hollywoodien des coulisses dans « Babylone » de Damien Chazelle, et même le travail et la vie du personnel d’un cinéma dans « Empire of Light » de Sam Mendes. Dans ces films, l’histoire de la grandeur du cinéma est l’histoire de la fabrication et du service de la saucisse, et même de l’élevage du cochon. L’histoire du cinéma est riche en films qui dépeignent le monde du cinéma – qui mettent en lumière les personnalités, célèbrent l’art, regardent franchement l’entreprise, révèlent les conflits hors champ qui alimentent et entravent les productions, et mettent à nu la force vorace du cinéma. exigences commerciales et émotionnelles.
Plusieurs de ces films sont des classiques incontournables, comme « Singin’ in the Rain » et les deux premières versions de « A Star Is Born ». (Celui de 1937 est plus granuleux ; celui de 1954 est la plus grande vitrine de Judy Garland.) Ce n’est pas seulement Hollywood qui dépeint ses propres failles et idiosyncrasies ; le monde du cinéma est représenté avec une grande variété de films internationaux et indépendants, et ce qui est dramatisé va du cinéma au gatecrashing, de la production à la projection, des rêves et des plans à la gloire ou à l’échec – de la passion croissante des jeunes cinéphiles et du gloire ténue des professionnels à la célébration rétrospective des grandes réalisations et de la décrépitude des parias. Ils mettent en scène la réalisation de films de fiction, de documentaires, d’animation, de films réflexifs, de films d’étudiants, voire de films imaginaires.
Parce que les films sur les films soumettent leurs propres méthodes – leur propre identité – à un examen minutieux, ils penchent souvent vers le radicalisme esthétique. (Presque n’importe quel film de Jean-Luc Godard compterait, y compris celui que j’ai mis en tête de liste Vue et son liste, « King Lear ».) Beaucoup des grands sont relativement récents, car l’auto-examen de l’art et le développement de nouvelles formes pour le faire sont le produit de décennies d’avancées cinématographiques cohérentes et sans compromis. Cette liste rassemble une poignée de mes favoris dans le genre, par ordre chronologique.
Buster Keaton, à droite, dans « Sherlock Jr. »Photographie d’Everett
« Sherlock Jr. »
1924, Buster Keaton
L’histoire sentimentale en boucle – d’un projectionniste qui perd sa fiancée à cause d’une fausse accusation et se rêve dans un film d’héroïsme romantique rempli de cascades afin de trouver la solution à son problème – donne lieu à certains des films les plus vertigineux surréalistes et déchirants de Keaton. cascades. Cela suggère également que les fantasmes d’action hyperboliques des films populaires ne sont que des délires gratifiants pour l’ego.
1928, Josef von Sternberg
Le syndrome de l’imposteur va dans les deux sens : certaines personnes sont propulsées vers le bas, des hauteurs aristocratiques, dans le tumulte quotidien du show-business. Le drame de Sternberg, basé sur des événements réels, est celui d’un général russe, réfugié après la Révolution, qui débarque à Hollywood pour servir de simple figurant et découvre que son art est inséparable de sa vie – et de sa gloire pas si lointaine jours.
1928, Roi Vidor
Le conflit éternel d’Hollywood entre l’art et une tarte au visage est résolu avec des résultats judicieusement caustiques et antiques dans le regard fictif de Vidor dans les coulisses de la route pleine de nids-de-poule d’une actrice en herbe vers la célébrité – et dans la galerie réelle de sommités cinématographiques qu’elle aspirait à rejoindre.
Anna Magnani dans « Magnifique ».Photographie d’Everett
1951, Luchino Visconti
Le désespoir qui pousse les parents de scène à conduire impitoyablement les enfants de scène est incarné, dans ce mélodrame satirique à grande échelle, par la plus grande personnalité dramatique du cinéma italien d’après-guerre, Anna Magnani.
1954, Joseph L.Mankiewicz
Parfois, il faut de la distance pour gagner en clarté, et ce drame d’un danseur espagnol découvert dans une boîte de nuit rugueuse par un réalisateur hollywoodien en déclin met en scène le cinéma américain – et les vies fabuleuses que les affaires de studio exaltent, favorisent, déforment et contrecarrent – dans une perspective nette et sinistre.
1962, Vincent Minnelli
Encore plus de distance, encore plus de clarté, ou, quand une suite n’est-elle pas une suite : Minnelli donne suite à son drame hollywoodien de 1952 « The Bad and the Beautiful » en le traitant comme l’œuvre d’un personnage fictif dans ce conte d’Hollywood au bord d’une panne commerciale, se déroulant en Italie, au milieu du tournage d’un film en studio à Cinecittà, à Rome, et au milieu d’un changement de génération imminent et d’un changement de mœurs qui l’accompagne. En étant attentif aux temps, Minnelli était en avance sur eux.
1963, Pier Paolo Pasolini
Un réalisateur inconscient et pompeux d’un film dépeignant la Crucifixion permet à son casting de supporter des fléaux réels dans cette moquerie féroce de l’industrie alors qu’elle est incontestée et inconsidérée ; dans une touche méchamment ironique, ce réalisateur est interprété par Orson Welles.
1964, Vincent Minnelli
Le harcèlement sexuel endémique et incontesté des femmes à Hollywood est diffusé de manière cinglante et comique dans ce fantasme mouvementé mais incisif de changement de genre de réincarnation et de reconnaissance de soi.
« Le héros »
1966, Satyajit Ray
La grandeur et la fragilité, les ambitions artistiques et les compromis personnels d’un jeune acteur célèbre émergent, au fil d’un voyage en train, à travers son entretien avec un journaliste et les hantises de ses souvenirs et de ses rêves. La nature même du cinéma est examinée, au cours de ce voyage fatidique, à la lumière de la politique culturelle indienne et de l’histoire de l’industrie cinématographique du pays.
1982, Kathleen Collins
Ce drame, l’un des premiers réalisé par une réalisatrice noire, est centré sur une professeure de philosophie noire qui est invitée par l’un de ses étudiants à jouer dans son film. Il dramatise également le rapport de Collins à la puissance écrasante du cinéma, qu’il définit comme « pair » : même un acteur non professionnel, même jouant un rôle muet, même dans un film d’étudiant, voit sa vie transformée au contact de l’art du cinéma. .
Jimmy Woodard et Robert Townsend dans « Hollywood Shuffle ».Photographie de Samuel Goldwyn Films / Everett
1987, Robert Townsend
Cette satire furieuse sur les opportunités rares et souvent dégradantes pour les acteurs noirs est également une explosion d’enthousiasme paradoxale pour le pouvoir des films populaires et une vision comique, mais farouchement sérieuse, de ce que Hollywood pourrait être s’il incluait des cinéastes noirs pour raconter les histoires des Noirs. — et d’élargir les formes et les genres de l’industrie à la lumière de leurs propres expériences.
1989, Youssef Chahine
Chahine joue un réalisateur dans un autre film à clef, celui qui détaille la passion d’un cinéaste égyptien fictif pour un jeune acteur qui le fuit et l’effort qui s’ensuit pour faire un film – de « Hamlet » – avec une autre star. En cours de route, le drame détaille les hauts et les bas de la carrière du cinéaste (avec des séquences musicales) et les crises économiques et politiques du cinéma égyptien, centrées sur une grève de l’industrie et un sit-in visant le contrôle gouvernemental des arts (basé sur un événement réel auquel Chahine a participé).
1990, Clint Eastwood
Ce film à clef, sur la frivolité fanfaronne et autodestructrice de John Huston lors de la réalisation de « The African Queen », est basé sur un roman de Peter Viertel (le script doctor sur place non crédité de Huston). Eastwood joue également, joyeusement et sardoniquement, le rôle d’un cinéaste dont l’éthique de réalisateur est antithétique à la sienne.
“Jacquot de Nantes”
1991, Agnès Varda
Le biopic d’Agnès Varda sur l’enfance et l’adolescence de son mari, le réalisateur Jacques Demy, est peut-être le plus grand de tous les films sur une passion première pour le cinéma et l’amour pratique du métier. (C’est peut-être aussi le film le plus méticuleusement observé sur l’animation de bricolage.) Varda entrecoupe le drame vigoureux et exquis (avec la politique de l’occupation allemande pendant la Seconde Guerre mondiale) avec des extraits des propres films de Demy, et elle fournit également l’appel d’offres commentaire en voix off ; Demy lui-même, qui était en phase terminale pendant sa production, apparaît devant la caméra pour partager ses souvenirs, et Varda le filme avec une intimité aimante et tactile.
1991, Stanley Kwan
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